Sol LeWitt Low in the Center
1996
Bois peint
Signé et daté
73 x 76 cm

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Demande d'informations - Low in the Center, 1996

À travers Low in the Center réalisée en 1996, Sol LeWitt, figure incontournable de l'art conceptuel et pionnier du minimalisme, révèle sa fascination pour la géométrie simple du cube, qu'il qualifie de "dispositif grammatical".
Le cube, selon LeWitt, est une forme neutre, dépourvue d'agressivité, d'émotion ou de mouvement, faisant de lui la base idéale pour des compositions plus complexes. Dans cette pièce, l'artiste explore la beauté de la ligne, la répétition et la sérialisation, marquant son attachement à la rigueur formelle.

Né en 1928 à Hartford dans le Connecticut, LeWitt s'est illustré par une approche novatrice où la primauté est accordée à l'idée plutôt qu'à l'objet fini. Son travail dans le cabinet de l'architecte I.M. Pei en 1955 a fortement influencé sa vision artistique, forgeant son rapport avec l'espace et la structure. LeWitt refusait de considérer ses œuvres comme des sculptures, préférant le terme « structures », un choix qui reflète la dimension architecturale de ses créations.
Dans Low in the Center, LeWitt combine une rigueur mathématique avec une liberté d'exécution intuitive. Ce mariage entre rationalité et spontanéité confère à l'œuvre une dimension contemplative, où l'équilibre et la sérialité invitent le spectateur à une réflexion méditative. À travers cette œuvre, LeWitt démontre sa capacité à créer des formes intemporelles, tout en transcendant les limites de la sculpture traditionnelle.

Sol LeWitt, né le 9 septembre 1928 à Hartford, Connecticut, et décédé le 8 avril 2007 à New York, a été une figure centrale du développement de l'art conceptuel et du minimalisme. Son œuvre, caractérisée par sa nature systématique et géométrique, a exploré les limites de l'expression artistique et le rôle de l'artiste dans le processus créatif. Les contributions de LeWitt au monde de l'art ont laissé un héritage durable, influençant de nombreux artistes et remodelant les pratiques artistiques contemporaines.

Solomon "Sol" LeWitt est né dans une famille juive d'origine d'Europe de l'Est. Son père, un médecin, est décédé alors que LeWitt avait six ans, poussant sa mère à déménager la famille à New Britain, Connecticut. Enfant, LeWitt a montré un intérêt précoce pour l'art, encouragé par sa mère et un professeur d'art au lycée de New Britain.
Après avoir obtenu son diplôme en 1945, LeWitt a fréquenté l'Université de Syracuse, où il a obtenu un baccalauréat en beaux-arts en 1949. Après son diplôme, il a voyagé en Europe, s'imprégnant des œuvres des maîtres anciens et des artistes contemporains, des expériences qui influenceront plus tard ses propres pratiques artistiques.

En 1953, LeWitt a déménagé à New York, où il a suivi des cours à la School of Visual Arts et a occupé divers petits boulots, notamment comme graphiste pour l'architecte I.M. Pei et comme réceptionniste de nuit au Museum of Modern Art. C'est pendant son temps au musée qu'il a rencontré des artistes tels que Robert Ryman, Dan Flavin et Robert Mangold, qui deviendraient des figures clés des mouvements du minimalisme et de l'art conceptuel.

Les premières œuvres de LeWitt étaient influencées par son expérience en design graphique et son intérêt pour les structures architecturales. Cependant, c'est dans les années 1960 qu'il a commencé à formuler ses idées sur l'art conceptuel. En 1967, LeWitt a publié son essai fondamental "Paragraphs on Conceptual Art" dans Artforum, où il affirmait que "l'idée devient une machine qui fait l'art." Cette notion soulignait la primauté du concept sur l'exécution, remettant en question les notions traditionnelles de l'autorité et de l'artisanat artistique.

L'une des contributions les plus significatives de LeWitt à l'art a été sa série de "Dessins Muraux", commencée en 1968. Ces œuvres, créées directement sur les murs des galeries et des musées, suivaient des instructions détaillées fournies par LeWitt. Le premier, "Wall Drawing #1", consistait en des lignes au crayon dessinées directement sur le mur. Cette approche mettait l'accent sur l'idée plutôt que sur l'œuvre physique et permettait la possibilité de recréer l'œuvre par d'autres.
Les dessins muraux de LeWitt sont devenus de plus en plus complexes au fil du temps, incorporant des couleurs et des motifs géométriques élaborés. "Wall Drawing #51" (1970), par exemple, consiste en une série de lignes non droites dans quatre directions, créant un champ visuel dense et dynamique. Une autre œuvre notable, "Wall Drawing #146A" (1972), implique des lignes parallèles de différentes couleurs, montrant son exploration de la couleur et de la forme.

En plus des dessins muraux, LeWitt est connu pour ses "Structures", un terme qu'il préférait à "sculptures". Ces œuvres tridimensionnelles, souvent faites de matériaux tels que le bois ou le métal, explorent des formes modulaires et des systèmes répétitifs. Un exemple marquant est "Four-Sided Pyramid" (1997), une installation à grande échelle composée d'unités cubiques ouvertes empilées pour former une pyramide, reflétant son intérêt pour la forme architecturale et la construction systématique.
LeWitt a également produit une série de "Projets Sériels", qui examinent les variations au sein d'un système défini. "Serial Project #1 (ABCD)" (1966) illustre cette approche, présentant une grille de cubes ouverts disposés selon une séquence logique prédéterminée. Ces œuvres mettent l'accent sur le processus de création et les structures sous-jacentes qui régissent la forme visuelle.

Tout au long de sa carrière, LeWitt a continué à expérimenter différents médias et méthodes. Dans les années 1980 et 1990, il a élargi sa pratique pour inclure des œuvres sur papier, des estampes et des installations à grande échelle. Ses dessins muraux tardifs présentent souvent des couleurs vives et des motifs plus complexes, comme on le voit dans "Wall Drawing #1107" (2003), qui combine des formes courbes et des teintes vibrantes.
L'influence de LeWitt s'étend bien au-delà de ses propres œuvres. Ses idées sur la primauté du concept et le rôle de l'artiste en tant que facilitateur plutôt que créateur ont façonné les pratiques et théories artistiques contemporaines. Ses œuvres sont conservées dans de nombreuses collections majeures à travers le monde, notamment le Museum of Modern Art à New York, la Tate Modern à Londres et le Centre Pompidou à Paris.